中国人物画发展中国传统画史上最早成熟的画科
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尽写苍生——蒋兆和绘画艺术发现展

 由全国政协书画室、中国美术家协会、中央美术学院、北京美术家协会、北京画院联合主办,蒋兆和艺术研究会、吴作人国际美术基金会协办,北京画院美术馆承办的“尽写苍生——蒋兆和绘画艺术发现展”将于2012年6月28日上午在北京画院美术馆举行开幕式,共展出蒋兆和先生的精品力作70余幅,展览将持续到7月11日。此次展览将最近新发现的素描、油画、图案等作品集中展出,同时展出1941年出版的《蒋兆和画集》和《流民图》画稿以及新梳理的相关文献资料,并且根据上世纪四十年代的图像资料将蒋兆和建国前的画室环境在展厅进行复原,配合其贯穿一生的重点肖像画创作与描写对象原型照片之间的对比陈列,清晰地梳理出蒋兆和一生不断变化的艺术道路,为观众还原一位更加真实的艺术大师。

  自学成才的“国画大师”

  这次展览的特色之一就是将青年时期蒋兆和在上海求生时所作的设计、图案作品、油画、素描等作品进行整理展出,全面呈现蒋兆和早年进行的艺术探索,特别是图案作品《慰》在1929年参加民国第一届全国美展,使他从此离开商业圈,跨入专业美术领域并引起广泛关注。由于战乱与动荡毁灭了蒋兆和的许多画作,幸存下来的早年作品更是为数不多,然而每一幅速写、每一幅肖像都如点滴露珠般依然散发着光芒。中国画史上的传统派画家大多没有接受过系统的美术院校教育,而是由师徒传承而成长为一代大家。蒋兆和先生早年在上海时是设计师和油画家、雕塑家,后成为融汇中西的中国画家,他正是一位没有接受过任何美术院校训练而自学起家的艺术大师。这源于蒋兆和先生艺术的敏锐感觉和对创作规律的把握,此外更多的是他不断地在向日常生活观察,向现实社会学习。正是因为如此,蒋兆和的水墨人物画从创作之初便将关注焦点放在普通民众的身上。1936年蒋兆和从繁华的上海回到了相对封闭的重庆,拿起毛笔、背起画板走向民间街头。这一年正赶上四川发生了罕见的旱灾,蒋兆和的早期水墨人物画《朱门酒肉臭》就诞生在重庆的街头。同时期创作的水墨作品《施舍一个》、《街头小子》、《洗衣妇》等均为首次展出,这些源于生活的作品都真切的表达了蒋兆和“为民写真”的创作思想。

  画室中的《流民图》

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  蒋兆和创作的《流民图》无疑是他水墨人物画的巅峰,更是中国美术史上不朽的长卷。这幅创作于1943年的作品引起日本当局强烈不满,仅在太庙展出半天就被扼杀的巨幅长卷背后隐藏着太多的故事和创作者的艰辛。蒋兆和自己早在一年前就开始搜集《流民图》的创作素材,北平艺专的师生们也大力支持这幅作品的创作,多位师生亲自担任模特,同时还将北平城里的各种流民请来做模特。在日伪统治下为了掩人耳目,蒋兆和总是逐一找模特写生,分段放大绘制,在两米多高的画板上只留一两个孤立的人物形象,使人无法了解画卷的全部。当时画室里的一面墙壁处堆满了为《流民图》创作的画稿。经历数十年岁月的沧桑变迁之后,这幅《流民图》仅存一半,连大部分画稿也在文革之初被毁。在这次展览中,我们将展出《流民图》残存的几幅画稿,并且根据四十年代蒋兆和在画室里的留影等图片资料,通过蒋兆和使用过的画板、画笔等实物展品将创作过程中的《流民图》呈现给观众,也使大家清晰地认识蒋兆和为之付出的心血。

  妙手丹青老 功夫自有神

  国画大师齐白石曾在1941出版的《蒋兆和画集》中题辞“妙手丹青老,功夫自有神。卖儿三尺画,压倒借山人”来形容蒋兆和的人物画作。蒋兆和很好的实践了徐悲鸿先生“改造中国画”的艺术主张,在贯穿一生的人物形象塑造的艺术创作中,但很好的借鉴、吸收了西方绘画中的某些元素,并强调采用真实地面对描绘对象进行写生创作,但是他的人物画更多的保留了传统中国画的精神本质。他将素描语言很好的幻化成中国画的虚实、笔墨和意境,更大程度上发挥了中国画笔墨气韵夺造化之功的内涵。在刻画人物形象时打破了外部形象的局限性,而是更加注重人物内在精神气质层面的塑造。此次展览将蒋兆和创作的人物肖像画作大范围的征集整理,作品时间跨度从上世纪三十年代一直延续至1981年的绝笔之作《蒋风之像》。并将重点作品刻画的人物原型照片进行对比陈列,真人照片与作品的对比展出更加强调出蒋兆和先生对写生人物的神态把握。从这些肖像画中我们也可以清晰的梳理出蒋兆和艺术风格变化的线索,从中总结出中国画创作的规律和精神内涵,从而为今天的人物画创作和发展提供更具价值的参照意义。

最近是北京的金秋9月,汇聚了两个关于中国人物画的大展,一个是北京画院展出的的“笔砚写成七尺躯——明清人物画的情与境”;另一个是势象空间主办的“人道之光——蒋兆和文献展”。中国人物画成为这个秋天的焦点。

由势象空间和中国嘉德国际拍卖有限公司联合主办,雅达书院和在艺APP协办的的蒋兆和文献展,9月2号在势象空间隆重举办。

“不尽丹心——蒋兆和诞辰110周年纪念特展”在国家博物馆开幕

2014年11月2日,由中国国家博物馆主办、中国美术家协会蒋兆和艺术研究会协办的“不尽丹心——蒋兆和诞辰110周年纪念特展”在国家博物馆开幕。

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中国国家博物馆党委书记、副馆长黄振春向蒋兆和先生家属颁发了捐赠收藏证书

中国国家博物馆党委书记、副馆长黄振春,中国美术家协会主席刘大为,北京画院院长、中国美术家协会副主席王明明,中央电视台副台长、中央新影集团董事长兼总裁高峰,原中国美术馆馆长杨力舟,中央美术学院党委副书记王少军,中国美术馆副馆长安远远,中央美术学院中国画院院长唐勇力,中国美术出版总社社长汪家明,中国美术家协会蒋兆和艺术研究会会长马振声,中央美术学院教授杨先让以及蒋兆和先生家属蒋代萍女士、蒋代明先生等参加了开幕式。开幕式由国家博物馆副馆长陈履生主持。

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开幕式上,蒋兆和先生家属向中国国家博物馆捐赠了蒋兆和先生的代表作《一篮春色卖遍人间》。这幅作品是美术界公认的除《流民图》之外最具艺术价值的代表作之一,丰富了国博对20世纪中国经典美术作品的收藏。黄振春书记向蒋兆和先生家属颁发了捐赠收藏证书。

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蒋兆和先生的女儿蒋代萍女士作为家属代表发表了讲话,她特别感谢中国国家博物馆为纪念蒋兆和诞辰110周年而举办此次展览所付出的努力。由于蒋兆和先生作品数量少,遗失的多,此次展览的举办实属不易,自己深深感谢所有为这次展览做出努力的人们。同时,她感谢国家博物馆收藏蒋兆和的重要作品,认为这是画作很好的归宿,祝愿捐赠给国家博物馆的作品日后能让更多国内外观众欣赏到它的魅力。

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2014年是著名画家、美术教育家蒋兆和先生诞辰110周年。蒋兆和先生是为20世纪中国画发展作出重要贡献的国画家和美术教育家,他创造性地拓展了中国水墨人物画的技法,其造型之精谨,表现人物内心世界之深刻,在中国人物画史上达到了空前的高度。他在民族危亡的年代,以苦涩的人生体验和饱蘸深情的沉重画笔,创作了《流民图》等留下时代烙印的重要作品,开创了现代中国现实主义水墨人物画的创作道路,他的“为人生而艺术、执著于人文关怀”的艺术思想,在当代中国仍然影响深远。

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蒋兆和先生在不断推出创作的同时,一生还致力于美术教育事业,自1920年代起的60年间,他相继执教于中央大学、上海美专、北平艺专、中央美术学院,他的创新与革新,教学与实践,无数的佳作巨构与遍天下的桃李芬芳,是20世纪中国画发展史上的独特篇章。他教书育人,培养了无数承前启后的新一代画家,他们如今仍然活跃在当代美术创作的舞台上,其教育思想和教育方法依然在发挥作用和影响。

此次展览汇集了蒋兆和先生不同时期的100件代表作品,其中有多件作品在国内是首次展出。展览分为四个单元:一、“国难家仇与人情民生”,集中展出表现新中国之前国难民生类题材的作品;二、“时代风尚与建设新貌”,主要展示了蒋兆和表现新中国时代新貌的作品;三、“肖像留影与写真传神”,汇集了蒋兆和大量生动传神的肖像作品;四、“历史人物与文学形象”,集中了历史人物和文学作品的人物画创作佳作。

展览至11月30日结束。

寻道求变——卢沉艺术研究展

2017年3月23日,由中国美术家协会、中央美术学院、北京画院主办,中央美术学院中国画学院协办,北京画院美术馆承办的“寻道求变—卢沉艺术研究展”在北京画院美术馆隆重开幕。展览以再版美术界具有广泛影响的卢沉先生著述《卢沉论水墨画》为引,以“寻道求变”为名,突出“变”字,强化了卢沉不同时期作品风格的变迁。以“十字路口”为展陈理念,表现卢沉作为改革开放第一批探索者,身处社会与时代的十字路口,面对空前多元的可能与抉择时,体现出的实验精神,及其不断求变的艺术探索之路。展览分“型神”、“笔线”、“品兴”、“墨构”四个单元主题,汇聚他从上个世纪60年代到新世纪初四十余年间的写实人物画、书法、写意人物画、水墨构成作品70余件,其中多幅作品为首度亮相。同时,由北京画院再次编辑增补的《卢沉论水墨画》也将于展览开幕式上首次呈现。

作为北京画院建院60周年院庆系列活动的开篇展,此次展览是自2013年 “逸韵舒怀——卢沉写意人物画展”、2015年“大爱悲歌——周思聪、卢沉《矿工图》组画研究展”之后,卢沉的作品第三次亮相北京画院美术馆。

型神:写实功力与变形处理

卢沉(1935-2004)是新中国培养出来的一位极具造型能力的水墨画家,他长期执教于中央美术学院,年轻时师从叶浅予、李可染和蒋兆和等中国画大家,继承与发展了经由徐悲鸿、蒋兆和等开创的写实人物画新传统,是60、70年代中国水墨人物画的杰出代表。

卢沉生于苏州,1951年就读苏州美专学习西洋绘画,1953年考入中央美术学院中国画系,因成绩优秀毕业后留中央美院附中任教,两年后调入中央美术学院中国画系从事水墨人物画的教学工作。此间他以扎实的素描基础与造型能力,很快从同辈中脱颖而出。本次展览特别展出了他的写实人物画成名作《机车大夫》,该画创作于1964年,以其经典性与时代性奠定了卢沉先生的艺术地位。

20世纪70年代初,卢沉先生被下放到磁县农场劳动,这一时期创作了多幅水墨人物写生作品,虽为写生作品,但他强调怎样把写生转为创作,提出写生要表达自己的感受,而不是单纯地描写对象,要根据自己的感受来改变对象。他在《卢沉论水墨画》中写道:“你拿着毛笔一下子就要考虑到怎么用笔的问题,这个线怎么勾,勾成什么样的线,勾成方的还是圆的,粗的还是细的,有弹性的还是直的,根据你的考虑,根据你的感受,根据你的艺术理想,你的画面的要求,要有选择,这里面都有很多创造成分,不能完全照着对象去画。”这时期他的写生人物作品多成为当时写实水墨人物写生的典范之作。

笔线:品格学养与笔墨功底

卢沉虽然是以素描为基本功,但也非常重视对中国传统文化的学习吸收,而且一直坚持对笔墨线条的探研。他一再强调,“以线造型是我们的传统,我们要坚持以线造型。”“书法入画”是他走进传统的一条门径,他从很早就开始研习书法,“文革”期间也未曾中断。据他的学生们回忆卢沉先生临碑帖、智永的千字文、徐渭草书,以草书入画较多。不止一位学生回忆去卢先生家看到的场景为“案头上、画板上都是书法作品”,足见卢沉先生对书法用功之深。本次展览展出了他的书法作品十余幅,以草书居多,以古代诗词为题材。展览为每一幅书法作品都配有详细释文,以便观众欣赏与理解。

除书法,本单元还展出了带有大量题款的写意人物画作品,醉酒、醉归、诗人行吟、渔翁等都是卢沉最常表现的题材。作为苏州人,对江南情景的写意性表达似乎与生俱来,卢沉先生上学期间就画江南乡村小品人物,这是他原本就喜欢的题材与风格,随着文人素养的积淀,对此风格的创作更为得心应手,尤其在90年代之后创作了多幅写意人物画作品。这些画都是诗书画印结合的文人画风格,难怪卢先生说自己“口头是革命派,骨子里还是传统的”。

对传统坚持不懈的研习,可以被看作是卢沉对自身素描基础的有意补充,同时也激发了其潜藏于内心的文人情结,成就了中国文人水墨人物画的现代发展。

品兴:反复笔墨锤炼与探索

卢沉对自己艺术永不满足,他借助小品画的兴起对造型、笔墨进行反复的锤炼与探索,常对同一主题的创作进行不同风格的尝试。如晚年他创作了许多以市民晨起遛鸟为题材、表现日常悠闲生活的小品画。展览中就展出了一组鸣禽题材的小品画,有线描稿、水墨稿,有带有变形感和幽默感的“鸣禽图”,还有造型抽象、色彩纷繁的“鸣禽图”,从不同风格的画稿和成作中,可以看出卢沉艺术探索中的困惑与完成时走出困境的满足感。如在一幅画稿上他写道:“学画数十年竟然每天都像是刚开始学画一样茫然不知怎么画才好”而另一件作品中写道:“改弦换辙 绝处逢生”。

这些同类题材的作品“并不是为了应酬,不是简单的复制,每一张都有新的追求”,他的理想状态是“用一百张随意勾画的小线描打开一个新的思路,建立一个新的通道,朝自由、偶发、即兴、随意的领域猛进。就这样画,随心所欲,不论东西,乘兴画去,尽兴而止,必有迥异常态的画面。”

墨构:水墨探索与革新意识

卢沉的探索不仅停留在造型与笔墨层面,80年代在现代化的大背景下,他追求抽象的思维能力,将西方的构成意识、形式分析的方法应用于水墨画创作之中,《清明》是这一时期的代表作。《清明》表现的是清明雨季路上撑伞的行人,用几何形的平面造型表现人物的侧影、背影,通过形式分析的方法把画面进行了有意味的分割,也辅助指引了观者的欣赏顺序。画面整体的淡墨着色,传达出一种宁静的氛围与悲伤的情绪。这幅画于1990年创作完成之后在中国美术馆和深圳美术馆展出,引起了画坛对卢沉先生创新精神的进一步关注。

卢沉先生主张中国画的现代化转变要借鉴西方现代主义、儿童画和民间艺术。尤其对于儿童画的借鉴研究,他的水墨构成作品中就有一类没有形象,纯用线条、墨块与色彩构成,常命名为“涂鸦图”,他在画作上题字“能如小儿涂鸦,那是化境,吞吐古今,无论东西,得天趣者胜,要在不使有一笔吴生习气,师非师,法无法,无法之法,乃为至法”。正体现了对于这种自由恣肆、纯真无邪的创作状态的追求。

卢沉是那个时代艺术家中的思想者,他一生坚持求真求变,从《机车大夫》到《清明》等一系列水墨构成的创作再到写意人物画,他的脚步从未停歇。他对内心中渴求的艺术真谛充满无尽的向往,如卢沉先生自己所说,“寿有限,艺无涯。朝朝暮暮,东涂西抹,面壁弄墨,数十年未成正果,何处丹砂,白发依稀始涂鸦。”他对于自我的要求没有极限,正如他心中的艺术理想,不会随着时间的流逝而褪色。

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十字路口 卢沉宣纸·水墨设色

136cm×136cm 1998年

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机车大夫 卢沉 宣纸·水墨设色

135cm×269cm 1964年

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太白捉月图 卢沉 宣纸·水墨设色

136cm×136cm 1985年

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鸣禽图 卢沉 宣纸·水墨设色

34cm×34cm 1992年

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清明卢沉宣纸·水墨设色

133cm×133cm 1990年

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中国人物画发展中国传统画史上最早成熟的画科当属人物画。人物画的出现起初是为了行辅佐教化、祭祀纪念等功能,而这些功能到明清之时亦有所保留。明代的人物画多延续宋元人物画传统又充斥着不同于前人的文人情趣,清代人物画,尤其是帝王意志主导下的宫廷人物画,注重写实描绘、强调立体逼真的视觉效果,与传统人物画法渐行渐远。直到晚清,由“海上三任”发展出的古朴稚拙、工写兼能的海派人物画,才将人物画重新拉回到文人追求的道路上。进入20世纪,资本主义因素的增长促进了商业经济的繁荣以及通俗文学艺术的发达,直接或间接地对中国画人物画产生一定影响。人物画从此进入一个充满艰苦探索和新旧更替的时代,在短短的一百年内,中国画人物画经历了史无前例的彻底的改革,从创作人员的投入规模、作品的数量和质量等方面来看,都是空前的。新中国成立后,社会变革、改造国画运动直接促进了新国画人物画崛起和繁荣;在苏联美术模式的影响下,人物画家们走出画室,走向生活,开始了崭新的中西结合的探索。新中国成立后,文艺政策倡导文艺为大众服务,文艺为工农兵服务,人民群众的审美意识和审美观念发生了巨大变化,这就要求人物画家必须创作出反映时代真、善、美的、充满生气的作品。

蒋兆和(1904—1986)被称为20世纪中国现代水墨人物画的一代宗师,中国现代画坛独领风骚的艺术巨匠。他在传统中国画的基础上融合西画之长,创造性的拓展了中国水墨人物画的技巧,其造型之精谨,表现人物内心世界之深刻,在中国人物画史上达到了一个新的高度。蒋兆和学贯中西的代表作《流民图》,以其前所未有的宏大、悲壮,以浑厚有力的笔触揭示了大师至真至善的人性,倾泄着对战争的愤怒,表达了对正义与和平的呼唤,为现代中国水墨人物画在世界艺坛上确立了光荣的地位。

图片 15蒋兆和

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蒋兆和的艺术经历蒋兆和与徐悲鸿、林风眠是20世纪中国画改革三大家。在改造中国传统人物画方面,蒋兆和结合自身的成长经历,在画中表现下层人物的艰苦,形成“满纸穷相”。提起蒋兆和,我们最常见到的是这样一段评价:他被称为20世纪中国现代水墨人物画的一代宗师,他在传统中国画的基础上融合西画之长,创造性的拓展了中国水墨人物画的技巧,其造型之精谨,表现人物内心世界之深刻,在中国人物画史上达到了一个新的高度。

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图片 181932年淞沪抗战时期,在上海发行的蒋兆和作《蔡廷锴画像》宣传品

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作为一名水墨人物画的宗师级人物,蒋兆和的处女作并不是中国画而是油画。1904年,蒋兆和出生于四川泸州一败落的书香世家,幼年随父亲学习诗文、书法,16岁时为了生存不得以只身前往上海谋生。因为自幼对美术感兴趣,蒋兆和就自学了素描、油画,然后到百货公司做橱窗、广告牌、商标、时装等设计,间或创作一些油画作品。1929年,蒋兆和以油画作品《江边》参加了上海举办的“中国第一届美展”,这件作品画的是上海一个穷困黄包车夫的生活状态。1932年,日本侵华战争爆发,蒋兆和参加了临时青年爱国宣传队,为了宣传抗日,蒋兆和用油画手法为上海十九路军的总指挥蔡廷锴、蒋光鼐做了画像,随后这两张作品被印成画片,被上海军民举着在大街上游行抗日。

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图片 211936年,南京中央大学部分老师合影

本次展览展出了蒋兆和先生自1939年以来12幅重要珍贵原作,分别是《对门女》、《还乡》、《给爷爷读报》、《毛主席在麦田》、《学习毛主席著作》(春光明媚)、《西双版纳一小姑》、《倪志福像》、《学写字》、《小孩与双鸽》、《七条鱼》、《白居易诗意》、《鸽子——为纪念郑成功作》。蒋兆和先生1928年在南京中央大学艺术系任教,1935年到北京,先后在京华美专、北京艺专任教,建国后继任中央美术学院国画系教授,此次展览原作跨度近半个世纪,许多是中国美术史上的经典作品。

除了油画,蒋兆和还自学了雕塑,1933年至1935年间,蒋兆和分别为黄震之、齐白石等人创作了雕像。1935年因为战争的原因,蒋兆和没办法在上海美专教书了,这时正好他的一个老乡想让他接替他在北平的画室,于是,1935年,蒋兆和转入北平结束了他在上海的十年生涯。蒋兆和初入北平的身份是位油画家和雕刻师,但他初次进入人们视野是通过水墨画《卖小吃的老人》,这件作品描绘的是一位重庆街头卖小吃的老人,技法上虽然是以水墨画的形式表现,但素描的痕迹非常重。随后,蒋兆和又创作了《与阿Q像》《街头叫苦》《卖二胡》《卖紫桐》等作品,创作重心完全转移到了水墨人物画。

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图片 231938年的蒋兆和

展览主办方与媒体交流

1937年春蒋兆和返回北平,任京华美术学院教授、北平艺术专科学校教师,并举办个展。1947年受聘于国立北平艺专。中华人民共和国成立后,蒋兆和任中央美术学院教授,曾当选中国美术家协会第2、3届理事,第4届顾问,中国文联委员,中国画研究院院务委员,第3、4、5、6届全国政协委员,民盟中央文教委员会委员。艺术家王明明、纪清远、卢沉、马振声、马泉、姚有多、范曾等人都曾师从蒋兆和。

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图片 251929年南京中央大学,蒋兆和与徐悲鸿、吴作人、田汉等

嘉德中国书画总负责人郭彤

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